jueves, 29 de julio de 2021

El estudio lento en el piano y otras reflexiones

 

SOBRE EL ESTUDIO LENTO EN EL PIANO

Esta es la típica pregunta que se suele plantear a los artistas: ¿Considera necesario centrar el trabajo en la velocidad o practica mucho la obra a la velocidad requerida?

La velocidad en la interpretación pianística. 
Fuente: Pixabay

Muchos pianistas trabajan a una velocidad lenta. Esto era habitual en William H. Sherwood. Harold Bauer cree que la velocidad es inherente a la persona, de manera que cuando el pasaje se comprende a la perfección, puede tocarse al tempo adecuado. Backhaus explica que raramente trabaja como objetivo la velocidad y dice que si domina el fragmento, puede tocarlo a cualquier tempo: “No centro mi trabajo en conseguir velocidad como otros hacen”, señala. “Rara vez estudio rápido porque interfiere en la claridad. Prefiero tocar más despacio, prestando la máxima atención a la claridad y a la obtención de un buen sonido. Con este planteamiento me doy cuenta de que cuando necesito velocidad ya la he conseguido.”

Clarence Adler aconseja siempre a sus estudiantes que comiencen con el trabajo lento – el tempo más rápido se desarrollará después de forma natural. La velocidad solo debe utilizarse cuando la pieza se haya aprendido a fondo, cuando se haya puesto atención en cada aspecto de la expresión y cuando la digitación, los acentos y las dinámicas se dominen completamente. “Apenas creerías cómo es la lentitud con la que estudio.”


ALGUNAS EXCEPCIONES

Hay muy pocas excepciones a la opinión general que se muestra a favor de trabajar la técnica independientemente del repertorio. Godowski afirma que nunca practica las escalas. Bauer se preocupa poco por el estudio de la técnica pura y piensa que la composición en sí misma contiene suficiente material de naturaleza técnica. Si estas brillantes excepciones demuestran o no esta idea es algo que el alumno de piano reflexivo debe decidir por sí mismo: ya es consciente de que la interpretación en un piano moderno requiere una técnica perfecta, junto con la ecuación personal de una salud de hierro, un propósito serio y una mentalidad polifacética. Las señora Rider-Possart dice lo siguiente: “La técnica es algo que un artista debe poner en un segundo plano, sin embargo, si no la posee, no puede llegar a ninguna parte.” El estudiante no pasará por alto el hecho de que adquirir el necesario control técnico exige tiempo y centrarse en el mismo fuera de la pieza que esté tocando.  Debe comprender los principios de la técnica pianística y seguir una cierta rutina para asegurarse el mejor de los resultados de la manera más rápida y segura. Mientras que cada uno debe trabajar de forma individual, es un estímulo saber que incluso los mejores artistas deben trabajar a fondo su técnica, deben mantenerla siempre al día, tocar despacio y memorizar poco a poco. La diferencia entre el artista y el músico amateur con talento se encuentra a menudo en la absoluta concentración del primero, su perseverancia y su devoción por perseguir unos ideales más elevados.


BIBLIOGRAFÍA:

Brower, H. (1915). Piano Mastery. Talks with master pianists and teachers. New York: Frederick A. Stokes Company.

Traducción: Francisco José Balsera Gómez


viernes, 11 de junio de 2021

Recital fin de carrera de Javier Oltra

Hoy 11 de junio se ha celebrado el recital final de carrera de Javier Oltra Fernández en el Conservatorio Superior de Música de Aragón.

 El programa, muy exigente, ha estado formado por el siguiente repertorio:

ALBÉNIZ: La Vega

BARTÓK: Suite Op. 14

LISZT: Rapsodia húngara nº 2

BUSONI: Fantasía a la manera de Bach


¡Enhorabuena, Javier!







martes, 8 de junio de 2021

Recital fin de carrera de Ismael Escribano

Mañana miércoles, 9 de junio, Ismael Escribano ofrecerá su recital final de carrera en el Conservatorio Superior de Música de Aragón.

Dará comienzo a las 13:30h. A continuación puedes ver el programa que interpretará.

¡Felicidades, Ismael!
























domingo, 16 de mayo de 2021

12 ideas sobre la tutorización online

 A continuación comparto la presentación que he preparado a partir de una charla con tutores que tienen experiencia en la tutorización online. 

Entre otros temas, vamos a ver qué ventajas tiene la formación en línea, el estilo de tutorización, las rutinas diarias del tutor, así como consejos y trucos para gestionar la información. 


domingo, 9 de mayo de 2021

El arte de la práctica pianística II


 EL PIANISTA COMO MECÁNICO   

Edwin Hughes, pianista americano y profesor en Múnich comenta lo siguiente: “la técnica es la parte mecánica de la música; para mantenerla en orden, uno debe estar constantemente pendiente de ella, al igual que el maquinista hace con su locomotora o el chófer con su automóvil. Cualquier intérprete inteligente sabe que ciertos ejercicios son especialmente beneficiosos para un funcionamiento correcto de la mecánica en su interpretación. A partir de éstos, planificará su estudio diario de la técnica.”

Teresa Carreño afirma que en sus comienzos hacía muchos ejercicios técnicos que le escribía su profesora con pasajes difíciles extraídos de las obras de los grandes compositores. Había cientos de ellos, tantos que le costó tres días hacerlos. Considera que todos ellos tienen un inestimable valor y los usa habitualmente en su práctica y también cuando enseña. Cada ejercicio debe interpretarse en todas las tonalidades y con la mayor variedad posible de tipos de toque y sonido. 

Paderewski dedica mucho tiempo diario al estudio de la técnica. Se sabe que tocaba escalas y arpegios durante tres cuartos de hora de tirón. Las tocaba con diferentes toques, velocidades, contrastes dinámicos, etc. 

El pianista como mecánico.
Fuente: Pixabay. Imagen libre de derechos

Por lo que vemos en los ejemplos anteriores, muchos pianistas creen en la importancia del trabajo mecánico diario, o el estudio puramente técnico además de abordar el repertorio. Muchos más declaran que las escalas, los acordes, los arpegios y las octavas constituyen su pan nuestro de cada día. Algunos me han hablado especialmente de la práctica de las octavas como algo muy beneficioso. Sienten que son esenciales para adquirir una buena técnica y para mantenerse a tono hasta el día del concierto.  

Algunos artistas se muestran proclives a trabajar ciertos estudios. Backhaus recomienda encarecidamente los ejercicios de Brahms, por ejemplo. Todos los músicos recurren a Bach en conexión con el trabajo de la técnica. De hecho, podemos considerar que las obras de Bach encarnan los principios de la técnica pura, y los pianistas y profesores piensan que deben formar parte del trabajo diario. 


INVENTAR EJERCICIOS

Junto a los estudios y los ejercicios de técnica, los artistas inventan ejercicios a partir de las piezas de estudio, ya sea tocando pasajes escritos para las dos manos con una sola, transformando notas simples en octavas, sustituyendo la digitación, utilizando los dedos más débiles, cambiando el ritmo, y otras muchas formas de incrementar el esfuerzo en la interpretación, de manera que al tocar el pasaje en su forma original, parezca un juego de niños. 

Otra forma de mejorar la técnica es a través de la transposición. Cualquiera podría pensar que la música de Bach es lo suficientemente difícil cuando se toca tal y como está escrita, pero los músicos piensan que nada hay mejor que interpretarla en diferentes tonalidades. Burnham explica que durante las primeras lecciones con el Dr. Mason, el maestro le dio una invención de Bach para que la estudiara, resaltando que debía memorizarla a la perfección. Esa sugerencia fue suficiente para que el ambicioso estudiante apareciera en la siguiente clase no solo con esa invención aprendida de memoria, sino que trajo todo el libro memorizado. De Pachmann, en su ansia por dominar la técnica y la literatura pianística, dice que cuando en una ocasión su profesor le pidió un Preludio y Fuga de Bach, se fue a casa y se aprendió los veinticuatro y ¡fue capaz de tocarlos en todas las tonalidades en la siguiente clase! 

CONTINUARÁ...

Puedes leer la primera parte del artículo accediendo desde AQUÍ.


BIBLIOGRAFÍA:

Brower, H. (1915). Piano Mastery. Talks with master pianists and teachers. New York: Frederick A. Stokes Company.

Traducción: Francisco José Balsera Gómez


sábado, 1 de mayo de 2021

Funciones del tutor en red

En la siguiente infografía presento algunas de las funciones más importantes que debe desempeñar un tutor de formación online

Si pulsas en cada imagen o pasas el ratón por encima, aparecerá una breve explicación. 

¿Cuál o cuáles de ellas te parecen las más importantes según tu criterio? Espero tus aportaciones en la sección de comentarios de esta entrada del blog. Muchas gracias. 


domingo, 25 de abril de 2021

El arte de la práctica pianística I

Hemos visto que si el pianista desea progresar en su arte, debe asentar una buena base en lo que se refiere a la posición de la mano, la condición corporal, los movimientos correctos de los dedos, y poner una cuidadosa atención a los detalles más pequeños en el toque y la producción de sonido. 

Este es el comentario que se escucha a menudo de las personas que acaban de asistir a un recital de piano: “Daría cualquier cosa del mundo por tocar así.” Pero, ¿dedicarían el tiempo necesario, por no decir nada de la paciencia infinita, la energía incansable, la indomable perseverancia que van de la mano para crear un virtuoso?

¿Cuánto tiempo de estudio necesita realmente el artista? Paderewski dedica todo su tiempo durante los periodos en los que prepara sus giras. En ciertos momentos del año, la mayoría de los artistas destinan gran parte del día al trabajo pianístico. Godowski es un trabajador incesante. Burnham utiliza las mañanas enteras para estudiar piano. Germaine Schnitzer dedica al piano seis horas diarias y si deja de estudiar un día recupera el tiempo en las sesiones siguientes. Eleanor Spencer “practica en su tiempo libre”, tal y como ella comenta. 

Un pianista profesional debe dedicar un número determinado de horas al día a la práctica, además de todo lo que se hace fuera del instrumento.  El trabajo mental es continuo, independientemente de que uno se siente o no al instrumento. 

El aspecto que más nos interesa es el siguiente: ¿Cómo se debe practicar para aprovechar bien el tiempo y obtener los mejores resultados? ¿Qué estudios, si los hubiere, deberías utilizar y qué material para el trabajo de la técnica es el más útil y eficaz?

Es necesario aprovechar bien el tiempo en la práctica del piano
para obtener los mejores resultados.


Wilhelm Backhaus, cuya consumada técnica es conocida por todos, dice lo siguiente: “Soy demasiado anticuado para creer todavía en las escalas y arpegios. Algunos de los intérpretes actuales parece que no utilicen nunca estos recursos, pero yo creo que son muy importantes. Esto no quiere decir necesariamente que tenga que tocar las escalas en todas las tonalidades cuando practico. Selecciono unas pocas y las trabajo. Comienzo con movimientos ridículamente simples - paso del pulgar por debajo de la mano y la mano sobre el pulgar – unos pocos movimientos cada vez, pero así se consigue preparar la mano para abordar las escalas y los arpegios, a las que dedico media hora al día. Tengo que revisar mi técnica una o dos veces a la semana para comprobar que todo está en orden. Las escalas y los arpegios son objeto de crítica. Las trabajo con diferentes tipos de toque aunque con mayor frecuencia utilizo el legato, porque es más difícil y también más bello que otros. Cuando es posible, trabajo la técnica una hora al día incluyendo a Bach.”

Sigismond Stojowski considera que las escalas y los arpergios deben formar parte de la rutina de trabajo diaria. 

Thuel Burnham declara lo siguiente: “De mis horas de práctica, al menos una la dedico a la técnica, escalas, arpegios, octavas, acordes, ¡y Bach! Creo en la importancia de la selección de obras de Bach para trabajar, transportar a todas las tonalidades y pulir al máximo. En cuanto a los estudios, es mejor perfeccionar unos pocos que tocar muchos.”   

CONTINUARÁ...


BIBLIOGRAFÍA:

Brower, H. (1915). Piano Mastery. Talks with master pianists and teachers. New York: Frederick A. Stokes Company.

Traducción: Francisco José Balsera Gómez


domingo, 18 de abril de 2021

Mobile Learning: definición y características

En la siguiente infografía aporto algunos datos sobre el mobile learning, sus principales características, ventajas y algunas dificultades que pueden surgir con su aplicación en el aula. También encontraréis algunos ejemplos de buenas prácticas.


miércoles, 14 de abril de 2021

Reflexión sobre la formación e-learning

Hoy quiero hacer una breve reflexión sobre lo que entiendo por e-learning, sus principales características, así como las ventajas e inconvenientes de la formación online.

Para ello he grabado un breve podcast donde resumo algunas ideas. Además, he creado una imagen con canva resaltando una frase que caracteriza a este tipo de formación.






sábado, 20 de marzo de 2021

Educar en igualdad: pianistas y compositoras

 Hemos dedicado algunas entradas anteriores de este blog a diversas mujeres compositoras y pianistas. 

Euterpe, musa de la música. Emanuel Handmann
Dominio público 


A continuación, dentro de la tarea final del MOOC "Educar en Igualdad" del INTEF, hacemos una sencilla propuesta de intervención que promueva la igualdad de oportunidades en el entorno educativo en el que trabajo. 

Entorno: Conservatorios profesionales y superiores de música. Enseñanzas de la especialidad de Piano (y para todas las especialidades instrumentales, así como agrupaciones camerísticas). 

Destinatarios: Comunidad educativa de los centros propuestos. Alumnado perteneciente a las enseñanzas elementales, profesionales y superiores de música de la especialidad de Piano.

Objetivos

  • Reivindicar la figura de la mujer en el ámbito de la composición y la interpretación pianística.
  • Conocer un amplio repertorio pianístico compuesto por mujeres.
  • Interpretar estudios y obras de variados estilos creadas por compositoras. 

Propuesta

Se introducirá en los programas de concierto un repertorio variado y de calidad, tanto de hombres y mujeres que hayan contribuido significativamente al mundo de la composición de obras para piano. Esta interpretación irá acompañada de un estudio y documentación previas sobre las características estilísticas y estéticas de la obra, realizando el propio alumnado una exposición en las clases colectivas de instrumento. 

En la siguiente infografía podemos conocer a diez compositoras del Romanticismo. 

En esta otra infografía se presentan a otras tantas compositoras españolas de la actualidad (son solo un pequeño ejemplo)



lunes, 8 de marzo de 2021

8M en el Conservatorio Superior de Música de Aragón

Las mujeres del Conservatorio Superior de Música de Aragón, centro del que me siento muy orgulloso de pertenecer, han querido conmemorar el 8M con una música compuesta por la profesora de análisis Carolina Cerezo Dávila e interpretada por varias profesoras del Centro. 

¡Felicidades por ésta y tantas otras iniciativas que lleváis a cabo!

Pilar Bayona, insigne pianista y profesora
de virtuosismo en el Conservatorio de Zaragoza
Dominio público

El texto con el que finaliza la composición me parece muy significativo y me encanta: "Pienso ahora en todas mis compañeras e iguales, de todas ellas he aprendido que Música es un nombre de mujer." ¡Que lo disfrutéis!



jueves, 4 de marzo de 2021

Análisis de un anuncio #EducaIguales

Dentro del MOOC "Educar en igualdad" del INTEF, se propone que realicemos el análisis de un anuncio publicitario en el que se observe un tratamiento estereotipado o sexista de un hombre y una mujer. Como segunda parte de la tarea, tenemos que elaborar un contra-anuncio, esto es, proponer una alternativa desde el punto de vista igualitario.

La verdad es que si hacemos una búsqueda por internet, encontramos numerosos anuncios que muestran estereotipos de la mujer y del hombre. Entre todos ellos, me ha llamado la atención la ilustración que aparece en la caja de la primera versión del juego "Hundir la flota", que salió a la luz en 1967.

Caja de "Hundir la flota" de 1967

En la imagen se observa en primer plano a un padre y su hijo que están jugando al famoso juego mientras, al fondo, la mujer y la hija están lavando los platos, como se puede observar en la siguiente ampliación: 

Los estereotipos de género en el marketing




Es evidente que se trata de un anuncio totalmente sexista ya que de forma explícita nos muestra los roles que tradicionalmente se han asignado a mujeres y hombres. Además, el hecho de que la madre y la hija aparezcan al fondo de la imagen supone que las dos son dependientes de los hombres, eliminando así su libertad y su capacidad a la hora de tomar decisiones. Desde esta perspectiva, la mujer es la única responsable de las tareas del hogar.

Esta imagen me ha recordado la famosa canción de los payasos de la tele titulada "Los días de la semana". Posteriormente, Miliki actualizó el texto de la canción con el fin de eliminar los roles de género y actualizarla al tiempo actual. Puedes escuchar la nueva versión AQUÍ


CONTRA-ANUNCIO

En mi contra-anuncio toda la familia aparecería en actitud divertida alrededor del juego de mesa. La imagen elegida muestra relaciones basadas en el respeto e igualdad entre hombres y mujeres, por lo que no hay ningún tipo de jerarquía entre ellos. ¿Quién es pareja de quién? El eslogan es totalmente inclusivo, respetuoso y lleva implícito un mensaje igualitario. La imagen es clara y en ella no se destacan estereotipos. Sería algo semejante a esto:



lunes, 22 de febrero de 2021

Una mujer a la que admiro

Son muchas las mujeres que admiro: mi madre, mi hermana, mis compañeras de trabajo, mis profesoras, etc. 

De todas ellas, quiero dedicar esta entrada a mi amiga Chus, cantante y pianista, con la que he tenido la oportunidad de ofrecer diversos conciertos en estos últimos doce años, además de escribir artículos académicos que hemos presentado en numerosos congresos de Educación. 

He elaborado la siguiente imagen interactiva con todo mi cariño. Pulsando en los botones aparecerá el texto correspondiente. 

¡Besos Chus!


domingo, 21 de febrero de 2021

Monográfico sobre mujeres creadoras de música

En el monográfico descargable que se aporta a continuación, sus autoras realizan un recorrido histórico desde la Edad Media hasta los inicios del siglo XXI revisando la vida y obra de mujeres que se han dedicado a la música ya sea como compositoras o como intérpretes

Este material fue el resultado de un proyecto llevado a cabo por siete profesoras de Enseñanza Secundaria con sus alumnos en la asignatura de Música durante el curso escolar 2006-2007. Fue tal el cuidado e interés que pusieron en el trabajo, que el Instituto de la Mujer se interesó por el mismo y lo publicó. 

Puedes descargar el documento pulsando AQUÍ.

"Lady Hamilton" de Marie-Louise-Élisabeth Vigée-Lebrun.
Dominio público



Para conocer y escuchar algunos ejemplos de las obras compuestas por algunas de las compositoras del Romanticismo que aparecen en dicho monográfico, puedes visitar la infografía que publicamos en otra entrada del blog y a la que puedes acceder desde AQUÍ


domingo, 14 de febrero de 2021

Joven tocando el piano

El título de esta entrada hace referencia a la obra realizada por el pintor francés Gustave Caillebotte en 1876. 

En la pintura se observa a Marcial, hermano menor del artista, compositor y fotógrafo, que está tocando el piano en su domicilio de la calle Miromesnil, en el distrito 8 de París. 

Gustave Caillebotte: "Joven tocando el piano", 1876. Óleo sobre lienzo. Colección privada
Dominio público

El interior de la estancia es muy elegante. El papel con motivos vegetales que decora la pared, las cortinas, la alfombra, las sillas y el hecho de poseer un piano de cola nos dan a entender que los hermanos Caillebotte eran una familia acomodada (los dos habían heredado una fortuna de su padre, empresario que fabricaba camas para el ejército).

El estilo pictórico se enmarca dentro del realismo. La luz que entra por la ventana se refleja en el instrumento. El pianista está concentrado en la partitura y la posición de sus manos en el teclado se representa con mucha precisión. El piano Érard encaja a la perfección en esa esquina de la habitación. 

La composición de los diferentes elementos hace que el piano se convierta en el segundo protagonista de la pintura. 

En el siguiente vídeo puedes ver otras obras de este pintor.


REFERENCIAS

  • Ausoni, A. (2009). Music in Art. Los Ángeles: Getty Publications.
  • Broude, N. (2002). Gustave Caillebotte and the fashioning of identity in impressionist Paris. New Jersey: Rutgers University Press.
  • Museo Artizon.




domingo, 7 de febrero de 2021

El toque artístico

Uno de los mejores profesores que enseñaba el toque pianístico fue el Dr. William Mason, quien realizó un estudio exhaustivo sobre este tema. Su toque se caracterizaba por la claridad, la amplitud y la elasticidad. En una ocasión, el maestro comentó lo siguiente al referirse a tocar ante el público: “Es posible que esté tan nervioso que difícilmente pueda caminar hacia el piano. Sin embargo, una vez que he comenzado a tocar mantengo al público lo suficientemente atento como para escuchar caer un alfiler, simplemente por la belleza de mi toque y sonido.” Los puntos fuertes del toque del Dr. Mason eran la “presión”, la “elasticidad” y la “atracción”. Descubrió que estos proporcionaban peso y claridad al sonido.

Fuente: Pixabay
Dominio público

El profesor Tobias Mathay, de Londres, ha dedicado mucho tiempo y reflexión al estudio del toque pianístico y del mecanismo de las teclas. Dice lo siguiente: “Las dos reglas principales de la técnica con relación a las teclas son: siente la resistencia de la tecla, esto es, cuánto necesitas presionar la tecla para cada nota y en segundo lugar, escucha siempre el momento en el que se empieza a producir el sonido, de manera que aprendas a concentrarte en el sonido propiamente dicho y no en las teclas. Solo es posible producir el sonido cuando el martillo golpea la cuerda. Cuanto más rápido sea el movimiento, más fuerte será el sonido resultante. Cuanto más gradual sea la rapidez con la que se pulsa la tecla, más bella será la calidad sonora. Para obtener un sonido brillante se debe golpear la cuerda por medio de la tecla, pero no, por error, golpear la propia tecla.”

Thuel Burnham, alumno de Mason y Leschetizky, ha aplicado las ideas de estos dos maestros en su experiencia personal y simplifica el toque pianístico de la siguiente manera: las manos melódicas y de coloratura. La posición de la mano varía según el carácter de la música, así como el sonido que se desea producir. Para resaltar una melodía buscamos un sonido pleno y exquisito, el peso del brazo cae relajado sobre la tecla y la presión del dedo se efectúa desde cerca de la tecla, acariciándola. Así se produce lo que denominamos como “mano melódica”, con los dedos alargados. Si por el contrario queremos trabajar un pasaje rápido, con una articulación clara y brillante, la mano debe adoptar una posición arqueada, esto es, la que se utiliza para tocar normalmente, con los dedos redondeados y una buena articulación de los mismos. Así tenemos lo que se conoce como “mano técnica o de coloratura”.

La diferenciación que realiza el señor Burnham aclara la duda sobre el arqueo de la mano y el toque articulado, o la colocación baja de la mano y los dedos planos. Los dos se utilizan en el momento adecuado según lo que exige la música. Sin embargo, el intérprete que busca una técnica limpia y confiable debería adquirir en primer lugar la mano de coloratura antes de alcanzar la mano melódica. 


BIBLIOGRAFÍA:

Brower, H. (1915). Piano Mastery. Talks with master pianists and teachers. New York: Frederick A. Stokes Company.

Traducción: Francisco José Balsera Gómez.


viernes, 5 de febrero de 2021

22 herramientas digitales para el aula

 Actualmente estoy realizando el NOOC "Tendencias digitales (2ª Edición)" del INTEF

Como tarea final se pide crear un tablero en el que se recopilen algunas herramientas que hagan referencia a la tecnología digital o educativa actual. 

A continuación presento mi propuesta. Aunque hay muchas más, he seleccionado 22 herramientas que he utilizado en mi aula a lo largo de estos últimos años. 

Para visualizar a pantalla completa la imagen, pincha en las dos flechas que aparecen en la parte inferior derecha de la misma. La información de cada apartado se obtiene poniendo la flecha del ratón encima de cada uno de los iconos. 

¿Qué experiencia tienes con estas herramientas? ¿Hay alguna que no conozcas? ¿Echas en falta algún recurso? Agradezco tus comentarios en la parte inferior de esta entrada. 

  

sábado, 30 de enero de 2021

Orbetello 2021: Concurso internacional de piano online

La edición 2021 del Concurso Internacional de Piano Orbetello se va a desarrollar online, debido a la situación actual de pandemia. 

El concurso está organizado en dos categorías:

  • Máster: participantes hasta 36 años.
  • Junior: participantes hasta 21 años.

Fuente: Pixabay


CATEGORÍA MÁSTER

El primer premio está dotado con una beca de 3000€ además de la posibilidad de ofrecer un concierto para piano y orquesta. El segundo premio obtendrá una beca de 1500€ y el tercero 500€.

El calendario para participar es el siguiente:

10 de abril: fecha límite de inscripción.

14 de abril: Comienza la visualización de vídeos por el jurado en la ronda eliminatoria.

30 de abril: Se anunciarán los finalistas a través de la web, redes sociales y correo electrónico. 

1 de mayo: Visualización de los vídeos por el jurado en la ronda final. 

8 de mayo: Publicación de los resultados definitivos. 

No obstante, se recomienda visitar con asiduidad la página web oficial del concurso porque el calendario puede sufrir modificaciones

Los vídeos se enviarán a través de enlaces de YouTube y deberán haberse grabado en los años 2020/2021. Está prohibido editar el vídeo en mitad de una obra y se recomienda grabar con imagen fija, siendo visibles la cara y las manos del pianista. En un mismo enlace pueden aparece grabadas varias piezas, que se tocarán de memoria. En la descripción del vídeo aparecerá anotado el programa.

Programa a interpretar:  Para la fase eliminatoria se presentará un programa libre de una duración máxima entre 15 y 20 minutos. Para la fase final el programa también será libre pero con una duración máxima de 30 minutos. 

Para obtener más información sobre la normativa del concurso y las inscripciones, recomendamos visitar la página web:

https://www.orbetellopianocompetition.com/international/


CATEGORÍA JUNIOR

Esta categoría está organizada por edades en las que se pide la interpretación de un repertorio libre tal y como se detalla a continuación:

  • Cat. A hasta 11 años: programa con una duración máxima de 8 minutos. 
  • Cat. B de 12 a 14 años: programa con una duración máxima de 12 minutos. 
  • Cat. C de 15 a 17 años: programa con una duración máxima de 15 minutos. 
  • Cat. D de 18 a 21 años: programa con una duración máxima de 20 minutos.
En cada categoría hay premios diferenciados que van desde los 200€ de la A, hasta los 1000€ y la posibilidad de ofrecer un concierto en el festival de Obertello de la D.

El calendario es el siguiente: 

10 de abril: fecha límite de inscripción.

14 de abril: Comienza la visualización de vídeos por el jurado.

1 de mayo: Se anunciarán los resultados en la página web, redes sociales y correo electrónico (esta fecha podría variar)

Para obtener más información sobre la normativa del concurso y las inscripciones, recomendamos visitar la página web:



sábado, 23 de enero de 2021

Cómo organizar las entradas de blogger en diferentes páginas

En el siguiente tutorial vas a aprender a ordenar y organizar los artículos que publicas en tu blog de Blogger para que aparezcan en diferentes páginas. 

Fuente de la imagen: Pixabay

Esta actividad forma parte del NOOC de INTEF "Compartir en red" (2ª edición).

Para visualizar a pantalla completa la presentación, una vez pulsado el botón de reproducción, coloca el ratón en la parte inferior de la presentación. Aparecerá una barra con varias opciones. Pincha en el icono de las dos flechas que aparecen a la derecha.

Espero que te resulte de interés. Si surge alguna duda, puedes plantearla en el espacio de comentarios de esta entrada. 


viernes, 22 de enero de 2021

Wonder Keys: Concurso internacional de piano online para niños y adolescentes

Actualmente está abierta la inscripción para participar en el Concurso Internacional de Piano online "Wonder Keys". El plazo finaliza el 1 de junio de 2021

Fuente de la imagen: Pixabay

Este concurso va dirigido a niños y adolescentes y está organizado en seis categorías:

  • Grupo A: niños de 5 a 7 años.
  • Grupo B: niños de 8 y 9 años.
  • Grupo C: niños de 10 y 11 años.
  • Grupo D: adolescentes de 12 y 13 años.
  • Grupo E: adolescentes de 14 y 15 años.
  • Grupo F: adolescentes de 16 y 17 años.

El programa a interpretar es libre y deberá tocarse íntegramente de memoria. Solo se acepta música "clásica". No se pueden interpretar obras de estilos como el jazz o la música pop. 

Todas las personas que deseen participar tienen que subir un vídeo (sin editar) a Youtube. Al realizar el registro on-line se debe facilitar el enlace a dicha grabación. El vídeo debe mostrar con claridad las manos del pianista y el atril (en el que no habrá ninguna partitura). La grabación puede realizarse con un teléfono inteligente o con una cámara de vídeo. 

El jurado internacional está formado por: Vassily Lobanov (Rusia-Alemania), Solomon Volkov (USA), Rudolfs Vanks (Letonia), Togrul Huseynli (Azerbaiyán), Anna Prabucka-Firlej (Polonia) y Sînziana Mircea (Rumanía)

Para más información e inscripciones, visita la página web del concurso: https://competition-piano.com/

sábado, 16 de enero de 2021

Análisis DAFO de la herramienta EDMODO

Edmodo es una plataforma educativa que nos permite crear un entorno virtual de aprendizaje. La he utilizado desde hace años y es una de las que más me gustan.

En el siguiente análisis DAFO he reflexionado sobre sus puntos fuertes y débiles tanto de origen interno como externo. 

EDMODO es un entorno virtual de aprendizaje muy motivador.
Fuente: Pixabay

Para visualizar a pantalla completa la imagen, pinchad en las dos flechas que aparecen en la parte inferior derecha de la misma. La información de cada apartado se obtiene pulsando en cada uno de los iconos. 

¿Habéis trabajado alguna vez con esta plataforma? ¿Utilizáis otras? Os animo a que expongáis vuestra experiencia en los comentarios de esta entrada del blog.  



domingo, 10 de enero de 2021

La acción de los dedos en el piano

El tema de cuánto levantar los dedos ha sido uno de los que más han aparecido en las entrevistas (ver entradas anteriores del blog). Algunos pianistas como Godowsky, por ejemplo, te dirán que no están a favor de levantar los dedos y que éstos deben mantenerse siempre cerca de las teclas. Sin embargo, llama la atención que aquellos que no defienden la acción de los dedos, la utilizan cuando tocan pasajes que requieren precisión y claridad. Otros intérpretes son bastante confusos sobre este asunto, pero generalmente se trata de personas que no están acostumbradas a enseñar. 

Fuente: Imagen de Olga Oginskaya en Pixabay 


La idea que apoyan los mejores profesores es que al comenzar los estudios de piano se debe adquirir un buen movimiento de los dedos. La acción de los dedos debe constituir una base sólida, de manera que se convierta en algo natural, una parte importante del pianista, algo que nunca debe abandonar ni olvidar. Tanto debería asentarse que ninguna relajación posterior, debida a la atención totalmente focalizada en la interpretación, pueda perturbar la posición correcta, la forma o el movimiento plástico elegante.  

“Para el trabajo de los diferentes pasajes insisto en la acción de los dedos. Los dedos deben levantarse y estar activos para asegurar un desarrollo adecuado. Realmente creo que se necesita una acción de los dedos mayor cuando trabajamos la técnica u obras técnicas que utilizaremos cuando toquemos esas mismas piezas ante el público.” – Clarence Adler.

Alexander Lambert se refiere a este tema cuando dice: “Al principio enseño la acción de los dedos. Algunos profesores no la enseñan porque dicen que los artistas no la utilizan. Pero el artista, si se le pregunta, te dirá que tuvo que adquirir la acción de los dedos cuando inició sus estudios pianísticos. Hay tantas etapas en el aprendizaje del piano. El estudiante de nivel inicial tiene que levantar sus dedos para que estos se desarrollen y obtenga claridad en el toque. En el nivel intermedio, el alumno ya ha obtenido la suficiente seguridad en el control de los dedos y puede tocar los mismos pasajes con un movimiento menor, mientras que en los niveles más avanzados el pasaje se puede tocar sin apenas un movimiento perceptible, pues los dedos responden completamente a cada exigencia de la mente.” 

Es este dominio absoluto del movimiento lo que lleva al observador superficial a imaginar que un gran artista no piensa en cosas como la forma y posición de la mano o los diferentes movimientos que realiza. Nunca hubo un mayor error. La perfección técnica se adquiere poniendo un especial cuidado, atendiendo minuciosamente y con exactitud todos los detalles. En un momento de su carrera, el artista ha tenido que acudir a los principios fundamentales de la técnica pianística y trabajarlos. Las opiniones pueden diferir en cuanto a que Leschetizky sea una eminencia como profesor, pero el hecho es que muchos pianistas actuales ante el público han seguido sus ideas en un momento u otro. Todos aseveran que el maestro vienés no hará nada con un intérprete hasta que haya realizado un curso de preparación riguroso, dedicado exclusivamente al entrenamiento de los dedos, y pueda tocar un par de estudios de Czerny con un control y eficacia perfectos. 


BIBLIOGRAFÍA:

Brower, H. (1915). Piano Mastery. Talks with master pianists and teachers. New York: Frederick A. Stokes Company.

Traducción: Francisco José Balsera Gómez


domingo, 3 de enero de 2021

La posición de la mano en el piano

Cuando asistimos a un recital ofrecido por un pianista de renombre, pensamos (si somos músicos) principalmente en la interpretación de las obras en cuestión. No hace falta decir que el pianista tiene una técnica perfecta. Debe tener ese tipo de técnica para que sea considerado un artista, ya que no podría serlo sin un gran dominio técnico y un absoluto control sobre los recursos del instrumento y sobre sí mismo. 

Permítanme utilizar la palabra “técnica” en su sentido más amplio, ese que incluye todo lo concerniente a la práctica en la interpretación pianística. Con este mismo significado, Harold Bauer se refiere a la técnica como “un arte en sí misma”. La señora Bloomfield Zeisler dice: “¡La técnica pianística incluye muchas cosas! En ella cabe de todo: aritmética, gramática, dicción, estudio del lenguaje, poesía, historia y pintura. En los niveles iniciales hay unas reglas que se deben seguir, como en cualquier otro tipo de estudios. Debo conocer las leyes del ritmo y la métrica  para ser capaz de distinguir las frases y los periodos musicales. Los estudiantes que hace tiempo que pasaron la etapa de la división y de las fracciones parece que no son capaces de determinar los valores de tiempo de diversas notas y grupos de notas utilizadas en música. No saben qué deben hacer con los tresillos, figuras con puntillo, etc… Como puede ver, la técnica incluye una gran multitud de factores. Es un tema muy amplio.  


Mano de niño sobre un piano
Dominio público


El primer principio que enseña un profesor a su alumno es cómo colocar la mano en el teclado. Me he esforzado en aportar una idea clara según el punto de vista de varios artistas. La mayoría coinciden en la idea de que lo correcto es adoptar una posición arqueada, con los nudillos redondeados. Paderewski decía: “Muéstreme cómo coloca las manos el pianista sobre el teclado y le diré qué tipo de intérprete es”, frase que nos enseña el grado de importancia que daba el músico polaco a la posición de la mano. 

“Coloco la mano arqueada y muy firme.” – Ernest Schelling.

“La mano adopta una posición arqueada. La punta de los dedos está en curva sobre el teclado, los dedos intermedios se internan más en las teclas que el primero y el quinto, siguiendo su estructura natural.” – Katharine Goodson.

“La mano se coloca sobre el teclado en posición fija con los nudillos arqueados.” – Ethel Leginska.

“La mano se pone en posición arqueada con los dedos curvados y estables.” – Carl Roeder.

“La mano, en la posición normal para tocar, debe adquirir una forma de arco con los dedos bien redondeados.” – Thuel Burnham.

“En primer lugar adopto una posición arqueada de la mano con los dedos firmes.” – Edwin Hughes.

“Enseño la posición de la mano en arco.” – Alexander Lambert.

“En primer lugar debemos asegurarnos de que tenemos la mano arqueada y los primeros nudillos de los dedos están firmes y estables.” – Eleanor Spencer.

“Lo primero que debemos hacer con un alumno es comprobar que la mano se coloca en la posición correcta. Los nudillos estarán de alguna forma elevados y los dedos adecuadamente redondeados.” – Bloomfield Zeisler.

“Un alumno debe, en primer lugar, formar un arco con su mano y asegurarse de que las articulaciones de los dedos están firmes. Suelo trabajar este aspecto no en el piano, sino sobre una mesa.” – Agnes Morgan.

Leschetizky enseña la posición de la mano en arco con los dedos redondeados, y todos los estudiantes que se han formado con él defienden esta idea. Es la posición que se acepta a la hora de tocar. Unos pocos pianistas, como es el caso de Alfred Cortôt y Tina Lerner, estudian con los dedos planos, pero esta circunstancia, en el caso de la señora Lerner, se debe principalmente al tamaño pequeño de su mano. 

Por las citas que se reflejan más arriba y por otras opiniones (que hemos visto en entradas anteriores del blog) está claro que la mayoría de los pianistas coinciden en que la mano debe adoptar una posición en arco y la punta del dedo debe estar en contacto directo con la tecla. Además, no debería haber ningún tipo de debilidad en la articulación más cercana a la uña. 


BIBLIOGRAFÍA:

Brower, H. (1915). Piano Mastery. Talks with master pianists and teachers. New York: Frederick A. Stokes Company.

Traducción: Francisco José Balsera Gómez