FANNY BLOOMFIELD-ZEISLER: Actuar ante el público (2ª parte)

Fanny Bloomfield-Zeisler en 1890
Dominio Público

1ª parte del artículo AQUÍ

Personalidad

La personalidad del intérprete es de una importancia inestimable para ganar la aprobación del público. No me refiero particularmente a la belleza personal, aunque no se puede dudar de que una apariencia agradable ayuda a conquistar a una audiencia. Me estoy refiriendo a la sinceridad, individualidad y temperamento. Lo que vagamente describimos como magnetismo a menudo lo poseen intérpretes que no tienen una belleza personal particular. Algunos intérpretes parecen hipnotizar a sus audiencias, sí, hipnotizarlas. Esto no se hace practicando ninguna especie de arte oscuro, ni siguiendo conscientemente ninguna fórmula psicológica, sino por la pura intensidad del sentimiento del artista en el momento de la interpretación.

El gran intérprete en tales momentos de pasión se olvida completamente de sí mismo. Está en una especie de trance artístico. El dominio técnico de la composición se presupone, el artista no necesita y no está pensando en la cuestión de tocar las notas correctamente, sino que, recreando en sí mismo lo que siente que fue el estado de ánimo del compositor, reproduce la composición misma. Es este tipo de interpretación el que establece un cordón invisible que conecta los corazones del intérprete y los oyentes, y, movido él mismo por los sentimientos del momento, mueve también a su audiencia. Hace que la música que extrae del instrumento se convierta en algo mágico en el alma de la audiencia; su sentimiento y pasión son contagiosos y llegan al público. Estos son los momentos, no solo de mayor triunfo, sino de mayor exaltación para el artista. Quien no pueda así mover al público nunca saldrá de la mediocridad.

No intentes lo imposible

A aquellos que aún están en la etapa preparatoria de su desarrollo, me alegra darles un consejo. No toquen piezas que estén mucho más allá de su alcance. Este es el mayor defecto en nuestros sistemas educativos musicales estadounidenses de hoy. Se permite a los alumnos tocar obras que son técnicamente imposibles para ellos de ejecutar sin años de preparación. ¡Qué gran error!

El alumno viene al maestro, digamos, con la Segunda Rapsodia Húngara de Liszt. Se necesita algo de fortaleza para que el maestro concienzudo le diga al alumno que debería trabajar con la Sonata en Do Mayor de Haydn en su lugar. El alumno, con una especie de confianza que es, por decir lo menos, peligrosa, imagina que el maestro está impidiendo que avance, y a menudo va a otro maestro que gratificará su capricho.

Las chicas estadounidenses piensan que pueden hacer todo. Nada está más allá de ellas. Este es un país de grandes logros, y no se dan cuenta de que en la música 'El arte es largo'. El virtuoso llega a una gran metrópolis y toca un concierto de Moszkowski de gran dificultad. Al día siguiente, las tiendas de música agotan sus existencias de esta obra, y una docena de señoritas, que con dificultad podrían tocar una Canción sin Palabras de Mendelssohn, están enterradas en la avalancha de imposibilidades técnicas que proporciona el atractivo concierto.

Debut en el extranjero

Desafortunadamente, un debut en el extranjero parece ser necesario para el artista que desea cortejar el favor del público estadounidense. Los pianistas extranjeros obtienen compromisos mucho antes de que sus representantes en América los escuchen. En el estado actual de las cosas, si un pianista estadounidense tuviera la habilidad de tres Liszts y tres Rubinsteins en una persona, solo podría esperar una recompensa escasa si no tuviera una gran reputación europea detrás de él.

La condición es absurda y lamentable, pero no obstante es cierta. Tenemos muchos maestros espléndidos en América, tan buenos como los que hay en el mundo.

Tenemos en nuestras ciudades más grandes audiencias musicales cuyo juicio es tan discriminatorio como el de las mejores audiencias europeas. Muchos artistas con una gran reputación europea han venido a este país y, al no 'cumplir' con el juicio de nuestros críticos y audiencias, regresaron con su reputación seriamente dañada. Sin embargo, como he dicho, el artista estadounidense sin una reputación europea no tiene poder de convocatoria y, por lo tanto, no interesa a los representantes y a los fabricantes de pianos, que hoy en día han reemplazado en gran medida a los representantes. Siendo así, solo puedo aconsejar al artista estadounidense que haga lo que otros han tenido que hacer. Vaya a Europa; dé algunos conciertos en Berlín, Londres, Viena o París. Deje que el director de conciertos que organiza sus conciertos llene la sala, pero asegúrese de que haya algunos críticos en la audiencia. Haga traducir sus críticas y publíquelas en periódicos estadounidenses. Entonces, si tiene verdadero mérito, puede tener una oportunidad.

El interés por la música en los Estados Unidos en la actualidad es fenomenal. Los pueblos europeos no tienen una concepción de ello. En ninguna parte del mundo se puede encontrar tal interés. Las audiencias en diferentes partes del país no difieren mucho desde el punto de vista de la apreciación inteligente. Cuando consideramos las grandes masas incultas de campesinos en Europa y las condiciones de nuestros propios agricultores, especialmente en el Oeste, no hay base de comparación. América ya es un país musical, un país muy musical. Solo en su fracaso para apoyar adecuadamente a los músicos nativos estamos sujetos a críticas.

Sugerencias prácticas

Al joven que desea aprender 'el secreto de presentarse en público' le diría:

1.- Mire profundamente en sus cualificaciones naturales. Use cada pizca de juicio que posea para tratar de determinar si es talentoso o simplemente 'hábil' en la música. Busque el consejo de músicos profesionales imparciales y medite sobre las dificultades que conducen a una carrera exitosa, y no decida agregar un músico más al mundo hasta que esté seguro de su idoneidad para el trabajo. Recuerde que este momento de decisión es muy importante y que puede estar en el umbral de un error peligroso. Recuerde que hay miles de maestros exitosos y felices por cada virtuoso exitoso.

2.- Después de haber decidido emprender la carrera de intérprete de conciertos, no deje que nada se interponga en el camino del estudio, excepto la consideración de su salud. El éxito con un cuerpo destrozado y una mente destrozada es una conquista inútil. Recuerde que si desea una posición permanente, debe estar completamente entrenado en todas las ramas de su arte.

3.- Evite el charlatanismo y el tipo de publicidad que le traerá notoriedad a costa de su autoestima y el respeto de sus mejores amigos. Recuerde que el verdadero valor es, después de todo, lo que trae fama duradera.

4.- Estudie al público. Trate de descubrir qué le agrada, pero nunca baje los estándares de su arte. Lea la mejor literatura. Estudie las obras pictóricas. Viaje. Amplíe su mente. Adquiera cultura general.

5.- Tenga cuidado con su comportamiento en el escenario. Trate de no hacer nada en el teclado que enfatice alguna excentricidad personal. Siempre sea sincero y fiel a su propia naturaleza, pero dentro de estos límites trate de causar una impresión agradable.

6.- Siempre sea su propio crítico más severo. No se sienta fácilmente satisfecho consigo mismo. Apunte alto. Deje que su estándar de perfección sea el más alto. Siempre esfuércese por alcanzar ese estándar. Nunca toque en público una pieza que no haya dominado completamente. No hay nada más valioso que la confianza del público. Una vez asegurada, es el mayor activo que un artista puede poseer.

7.- Concentre durante cada segundo de su práctica. Concentrarse significa llevar todos sus poderes de pensamiento a un punto central con la mayor intensidad posible. Sin tal concentración, nada se puede lograr durante el período de práctica. Una hora de pensamiento concentrado vale semanas de práctica sin pensar. Es seguro decir que se están desperdiciando años por estudiantes en este país que no logran sacar el máximo provecho de su práctica porque no saben cómo concentrarse. Un pensador famoso ha dicho: 'La evidencia de un genio superior es el poder de la concentración intelectual.'

8.- Divida su tiempo de práctica en períodos de no más de dos horas. Encontrará imposible concentrarse adecuadamente si intenta practicar más de dos horas seguidas. No tenga un programa arbitrario de trabajo de práctica, ya que esto puede hacer que su trabajo sea monótono. Para alguien que practica cuatro horas (y eso es suficiente para casi cualquier estudiante), se recomienda una hora para trabajo puramente técnico, una hora para Bach y dos horas para piezas.

9.- Al comenzar su práctica, toque su pieza una o dos veces antes de comenzar a memorizar. Luego, después de trabajar toda la composición, seleccione los pasajes más difíciles para una atención especial y reiteración.

10.- Siempre practique lentamente al principio. Esto es simplemente otra forma de decirle al alumno que se concentre. Incluso después de haber tocado su pieza a la velocidad requerida y con una confianza razonable de que es correcta, nunca deje de volver de vez en cuando y tocarla a la velocidad a la que la aprendió. Esta es una práctica que muchos virtuosos siguen. Piezas que han tocado una y otra vez ante audiencias entusiastas se vuelven a estudiar tocándolas muy lentamente. Esta es la única forma real de deshacer los errores que inevitablemente se cuelan en la interpretación cuando las piezas se tocan constantemente a un tempo rápido.

11.- No intente practicar toda su pieza al principio. Tome una sección pequeña o incluso una frase. Si toma una sección más larga de, digamos, dieciséis compases, encontrará difícil evitar errores. Por supuesto, cuando la pieza esté dominada, debe tener todas estas secciones tan unificadas que pueda tocar toda la composición sin interrupciones.

12.- Primero memorice mentalmente la sección que ha seleccionado para estudiar y luego practíquela. Si no la conoce lo suficientemente bien como para practicarla de memoria, no ha captado su contenido musical, sino que está tocando mecánicamente.

13.- Ocasionalmente memorice al revés, es decir, tome los últimos compases y apréndalos a fondo, luego tome los compases anteriores y continúe de esta manera hasta que toda la pieza esté dominada. Incluso después de haber tocado la pieza muchas veces, este proceso a menudo obliga a una concentración que es beneficiosa.

14.- Cuando estudie, recuerde que la práctica es simplemente un medio para cultivar hábitos. Si toca correctamente desde el principio, formará buenos hábitos; si toca descuidadamente y con errores, su interpretación empeorará continuamente. Por lo tanto, toque tan lentamente y correctamente desde el principio que pueda asegurar el uso correcto de los dedos, el fraseo, el tono, el toque (staccato, legato, portamento, etc.), el pedal y los efectos dinámicos. Si pospone la obtención de cualquiera de estas cualidades para una fecha posterior, serán mucho más difíciles de adquirir.

15.- Siempre escuche mientras toca. La música está destinada a ser escuchada. Si no escucha su propia interpretación, es muy probable que otras personas tampoco quieran escucharla.

16.- Nunca intente tocar nada en público que haya terminado de estudiar recientemente. Cuando haya terminado de trabajar en una pieza, guárdela para ser digerida musicalmente, luego, después de un tiempo, repita el mismo proceso, y nuevamente una tercera vez, cuando su pieza se habrá convertido en parte de usted mismo.

Si deseas conocer más sobre la filosofía musical y la técnica pianística de Fanny Bloomfield-Zeisler puedes consultar los artículos siguientes: 

• El alcance de la técnica pianística.
• Bloomfield responde varias cuestiones sobre técnica pianística. 

REFERENCIAS

- Cooke, J.F. (1917). Great pianists on piano playing: Study talks with foremost virtuosos. Philadelphia: Presser.

Traducción: Francisco José Balsera Gómez